Miguel Ángel:

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni^[1] (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Rafael Sanzio:

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 1520^[]), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael^[], fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportaciones en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos

Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue un artista muy productivo, dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y a pesar de su muerte prematura, gran parte de su obra aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, donde decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, quedando sin terminar a causa de su muerte.

Dibujos:

Se le considera uno de los dibujantes más finos en la historia del arte occidental y uno de los que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones. Según Armerina, experta en la vida del artista, cuenta, que cuando éste empezaba a planear una composición, extendía en el suelo un gran número de dibujos que conservaba archivados, y comenzaba rápidamente a dibujar, utilizando figuras de aquí y de allá. ^{[ ]}Han sobrevivido unos cuarenta bocetos de la Disputa de las Estancias y probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas que se tienen actualmente de sus pre-diseños. Hizo muchos dibujos para perfilar las posturas y las composiciones, aparentemente en cantidad superior a la de otros pintores, a juzgar por la gran cantidad de variantes que han sobrevivido.

Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la trasladaba a cartón a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando agujeros por donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la superficie final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel como en yeso, de una aguja ciega, marcando líneas que dejaban sólo una hendidura, pero ninguna marca.

La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso los bocetos iníciales con figuras desnudas están cuidadosamente hechos, y los posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de acabado, con sombreados y, a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y la energía de algunos de los bocetos de Leonardo o de Miguel Ángel, pero siempre muy satisfactorios desde el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de manera habitual un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la técnica más libre del carbón rojo o negro.^[ En sus últimos años fue uno de los primeros artistas en usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos.

Leonardo da Vinci: (1452 – 1519)

Renacimiento Cinquecento – Siglo XVI

Fue un pintor florentino y polimata a la ve artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filosofo y escritor; nacido en Vinci el 15 de Abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de Mayo de 1519 a los 67 años de edad. Trabajo en Roma, Boloña y Venecia, paso sus últimos años de vida en Francia.

Fue descrito como un arquetipo y símbolo del Renacimiento, fue un genio universal, además de filósofo humanista. Es considerado también como uno de los grandes pintores de todos los tiempos y es la persona con mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás existieron.

Pintura:

Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años donde su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras autentificadas que se le atribuyen siendo consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.

Sus pinturas son celebres; sin embargo, en algún momento fueron copiadas e imitadas por estudiantes siendo también centro de debate y controversia. Cabe destacar las cualidades técnicas pictóricas innovadoras que empleó en su sentido de composición y uso sutil de esfumados de colores, conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y geología, su utilización de luz dando interés por la fisonomía, su capacidad de reflejar la forma donde los humanos expresan sus emociones y expresiones gestuales. En su técnica, denominaba la combinación de sombras y luces como en “La Última Cena” y “La Virgen de las Rocas”.

Dibujos:

No fue un pintor prolífico pero si un dibujando muy productivo quien llego a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar de constancia todo lo que había atraído su atención.

Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios caricaturescos que parecen estar basados en la observación de modelos vivos. También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza con una cara poco habitual con características del llamado perfil griego y perfil característico de muchas estatuas griegas.

Escultura:

Se enfocaba en las estatuas de bronce que fue usado para fabricar cañones para el Duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VII de Francia en 1495.

Técnica:

Su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel no tardaron en superar a las de su maestro.

La pintura al óleo permitía una mayor blandura en el trazo y más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período. En la composición geométrica de la escena y su gran manejo de la técnica del claroscuro.

El sfumato, recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.

El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica del sfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal

Renacimiento Quattrocento.

Es un fenómeno italiano donde su realidad cultural, social y política se inicia en el Medioevo y relacionado con el afianzamiento de la clase burguesa, mercantilista y capitalista.

El humanismo tuvo una noción más amplia como la dignificación y exaltación del hombre como la superación intelectual, retratos, mausoleo el cual obtiene una fama para el presente y la posterioridad presentándose como una cultura universalista.

Su descubrimiento de la naturaleza le da un conocimiento empírico con el Nomalismo de Occam y la renovación de los modelos clásicos como estudio y reinterpretación en diferente disciplina.

Su pintura se caracterizaba por su perspectiva lineal y monocular obteniendo diversos géneros además de la religiosa, su desarrollo del retrato se convierte en un tipo de pintura mitológica representando la figura humana como motivo principal.

Desde la perspectiva del estilo estético actual, el arte que se crea en esta época es de mayor calidad con respecto al llamado Trecento donde evolucionan técnicas de pintura, consiguiendo la perspectiva, en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano donde se busca el dominio del espacio introduciendo elementos simples y proporcionados.

El artista al momento de pintar quería conseguir 2 aspectos muy importantes:

a) Semejanza con la naturaleza

· Verdad material : observación minuciosa de la naturaleza

· Verdad formal: lenguaje y su modo de representación que pueda ser contrastada.

b) Belleza en el sentido clásico

· Orden, simetría, relación armoniosa entre las partes y el todo.

Iconografia del arte gotico

Entre las representaciones escultúricas más comunes encontramos , los retratos . la temática fue la pasión de cristo , la representacion de cristo crucificado ó descendiendo de la cruz , lleva a la piedad de los fieles , que acudian a las catedrales , así se dejó de la lado al imagen de cristo pantocreador excesivamente intelectual para crear piedad en los fieles , las reprentaciones de las escenas de los evangelios , como la anunciacion , la natividad , la última cena y la voda de los santos .

El Arte Carolingio es el denominativo para el florecimiento artístico que, promovido por Carlomagno y su corte, dio nueva vida al arte de Europa Occidental que había llegado a un punto de extremo agotamiento.

Después de la etapa del llamado arte bárbaro (siglos VI, VII y parte del VIII) surgió un proceso cultural realmente importante, el llamado Renacimiento Carolingio.

Sus pinturas y esculturas eran pequenas para poder transportarlas , porque habian muchos problemas debido a la inestabilidad politica que se vivia.

El Renacimiento Carolingio fue un intento deliberado de reclamar la herencia romana. Se trató de la renovación del Antiguo Imperio Romano con un doble propósito: extender la fe cristiana y difundir al máximo la cultura.

El Renacimiento Carolingio estuvo directamente promocionado por el emperador Carlomagno, que potenció la cultura con el fin de reafirmar su poder político, muy débil frente al de los grandes señores del Imperio.


En la arquitectura:

planta central con bobeda de origen occidental

su influencia clasica se reduce en el arco y la columna

las iglesia solian tener planta de cruz latina de tres naves

Los conocimientos sobre la arquitectura carolingia de la que se conservan escasos monumentos, se basan en pruebas documentales, como grabados y dibujos, y sobre todo en datos procedentes de excavaciones que han permitido reconstruir la planta de algunos edificios. Las construcciones más importantes de la época carolingia son de tipo basilical, como la Basílica de Saint-Denis, de tres naves y que fue reedificada con caracteres góticos en el siglo XII. También es importante destacar las construcciones de planta central con bóvedas de origen oriental, como la Capilla Palatina de Aquisgrán, comenzada en el 798 y consagrada en el 805, inspirada en la iglesia de san Vital de Rávena.

También de planta central es la de Germigny-des-Prés.

La gran aportación carolingia es la construcción de monasterios benedictinos como el plano del monasterio de Sankt Gallen (Saint Gall), que se conoce a través de un dibujo. Son importantes las abadías de Corvey y de Fulda, así como el pórtico de Lorsch.

Pintura

De la pintura, tanto de temas sacros como profanos, quedan pocos fragmentos, pero de extraordinario valor, en Saint-Germain de Auxerre (Yonne) y en la cripta de San Máximo de Tréveris, así como las pinturas de San Juan de Müstair.

El único mosaico fue mandado construir en un ábside de un oratorio de Germigny-des-Prés.

Arte Bizantino

Muy conocida por sus mosaicos y pinturas esatas han creado una importancia en la historia de formas y represaentaciones.

Este arte representaba las iamgenes de una forma muy rigida, daban un aspecto deshumanisado, una de las pinturas mas conocidas es la de la virgen y el nino.

Este arte fue el que nos ha dado la imagen que tenemos de cristo, con barba , pelo largo , imagen que dura hasta nuestros dias.

• Juan esta representado por el aguila ,ya que su evangelio es el mas abstracto y teologico de los cuatro.
  
• Mateo esta representado por el angel porque su evangelio empieza haciendo u repaso de la vida de cristo , el hijo del hombre.


• Lucas esta repressentado por el toro porque su evangelio comienza hablando de zacarias (padre de juan bautista) a Dios.


• Marco esta representado por un leon porque su evangelio empieza con juan bautista "voz que clama en el desierto ,dicha voz seria como la del leon.

Arte Paleocristiano

Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.
Para el estudio del arte europeo de la Edad Media es imprescindible realizar un acercamiento al arte paleocristiano pues en él se van a gestar dos manifestaciones artísticas de la importancia del templo basilical y la iconografía narrativa y simbólica del Cristianismo.
Por tanto, se denomina Arte Paleocristiano al desarrollado en las primeras comunidades cristianas de los siglo II y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente.

El arte paleocristiano se puede dividir en dos grandes periodos:

1. Periodo de persecución y clandestinidad (siglos II y III)
2. Periodo del gran arte paleocristiano en tiempos del Cristianismo como religión oficial del Imperio (parte del siglo IV). En esta fase será, por contra, un arte protegido e impulsado por las grandes jerarquías eclesiásticas de la época.

Primer Periodo del Arte Paleocristiano. Siglos II y III
Se desarrolla entre Finales del siglo II y siglo III, años en los que las comunidades cristianas son perseguidas e el Imperio.
Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae y los Cimeterios (cementerios).

Domus Ecclesiae
Las Domus Ecclesiae fueron lugares para la celebración del rito cristiano, por tanto son equivalentes a las iglesias parroquiales posteriores.
No tenían una forma especial debido a que se empleaban normalmente viviendas romanas normales de dos pisos adaptándola a las funciones que necesitaban dividiéndola con tabiques.
Cimeterios (cementerios). La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en Roma. El cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres. En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular (arcosolium).
Durante esta fase los enterramientos cristianos tenían lugar en dos posibles lugares: los areae y las catacumbas.
Area deLugares donde las tumbas estaban cubiertas por losas.
Por el ritual funerario de la época, era frecuente encontrar en estos cementerios salas o lugares con mesas donde se celebraban los ágapes funerarios que se celebraban tras el entierro.
Catacumbas.
Los cristianos encontraron problemas, durante este periodo de clandestinidad, para conseguir terrenos para sus enterramientos.
Cuando las conseguían y se completaban se veían obligados a aprovechar el terrenos abriendo galerías subterráneas entrecruzadas. Aunque estos lugares eran estrechos, podían tener decoración, especialmente si el difunto pertenecía a clases adineradas, como los patricios romanos, construyéndose, incluso pequeños mausoleos.

Después del Edicto de Milán, a partir del año 313, la basílica es la construcción eclesiástica más característica del mundo cristiano. Su origen es dudoso, pues se la considera una derivación de la basílica romana, o se la relaciona con algunos modelos de casas patricias, o, incluso, con algunas salas termales. La basílica organiza su espacio, generalmente, en tres naves longitudinales, que pueden ser cinco, separadas por columnas; la nave central es algo más alta que las laterales, sobre cuyos muros se levantan ventanas para la iluminación interior. La cubierta es plana y de madera y la cabecera tiene un ábside con bóveda de cuarto de esfera bajo la que se alberga el altar.

Arte Paleocristiano en los siglos IV y V
El año 311 fue una fecha especialmente significativa para explicar el cambio que se va a producir en el arte cristiano, de un arte típico de comunidades pobres y semiclandestinas a un arte monumental y rico.
En esta fecha se promulgó el primer edicto de tolerancia, el Edicto de Valerio Augusto, aunque tendrá más importancia el Edicto de Milán, del año 313, del mismo carácter tolerante que permite el culto cristiano sin ningún tipo de cortapisas.
Ambos fueron promulgados por el emperador Augusto Valerio, pero al acceder al trono el emperador Constantino se da un cambio, si cabe, más favorable para la iglesia cristiana puesto que una gran parte de la familia de Constantino se va a convertir al cristianismo e incluso se especula sobre si el propio emperador se hubiese convertido al final de su vida.
Este proceso de dignificación del cristianismo culmina en al año 380 cuando el emperador Teodosio proclama a la iglesia cristiana como iglesia oficial del Imperio.
A partir del año 313 los altos dignatarios de la Iglesia se van a convertir paulatinamente en autoridades del Imperio. De este modo, las jerarquías eclesiásticas van a pasar a ocupar importante cargos de la administración pública y la Iglesia cristiana se convierte gradualmente en una institución de poder estrechamente ligada al emperador y a la administración imperial.
Como consecuencia de ello, la liturgia cristiana comenzó a adoptar elementos característicos del protocolo imperial. Se va a solemnizar y, en consecuencia, va a necesitar un nuevo vocabulario artístico que iguale los edificios cristianos con los grandes edificios públicos, palacios y templos de la sociedad romana.
En esta nueva etapa el arte cristiano es financiado por el alto clero y por las clases patricias e incluso por los propios emperadores. Consecuencia de esta alto poder económico nos encontramos con un arte con tendencia al lujo muy considerable y realizado, por tanto, con materiales nobles especialmente costosos.
Las principales manifestaciones de este arte van a ser dos: la arquitectura eclesiástica y la pintura monumental que se va a plasmar a través de los mosaicos (musivaria, el arte de los mosaicos).

Arte paleocristiano en España

El arte paleocristiano en España constituye la etapa final de la influencia romana. El cambio cultural que se opera durante los siglos II al IV tuvo en la Península poca vigencia, pues las invasiones de los pueblos germánicos se inician en el año 409. Pese a ello, y cada vez más, han aparecido abundantes testimonios de la vitalidad del arte paleocristiano hispano.
En arquitectura hay que citar las casas patricias de Mérida y Fraga, adecuadas al culto, en Ampurias, una basílica de una nave, en San Pedro de Alcántara, en Málaga una basílica con dos ábsides contrapuestos, y en Lugo la iglesia subterránea de planta basilical de Santa Eulalia de Bóveda. Edificios funerarios los hay en La Alberca, en Murcia y sobre todo el mausoleo de dos cámaras cubiertas por cúpulas en Centcelles (Tarragona).
La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza. También se conservan algunas estatuas exentas, como varias con el tema del Buen Pastor, laudas sepulcrales y mosaicos que por su técnica y sentido del color siguen los modelos romanos.

La sepultura de los primeros cristianos eran muy sencillos; los cadaveres depositaban en el "loculo" envueltos solamente en una sanaba o lienzo, sin ataud. Se fijaban con argamasa grandes lapidas de marmol, piedra o una pieza de barro. Se depositaban junto a las tumbas lamparas de aceite y recipientes con perfumes.

Los loculos fueron utilizados en otras clases de tumbas:

1. Arcosolio: tumba tipica de los III y IV, nicho de mayor tamaño con un arco sobrepuesto. La lapida era colocada en forma horizontal y utilizada por una sola familia.
2. Sarcofago: era un sepulcro de piedra o marmol, cuyas paredes exteriores estaban profusamente adornados con inscripciones o esculturas en relieve.
3. Forma: tumbas cavadas en el suelo alrededor del nicho donde estaba depositado un martir.
4. Cubiculos: "cuarto de dormir" eran pequeñas cámaras con capacidad para varios lobulos.
5. Cripta: cámara de grandes dimensiones. Se convirtieron en pequeñas iglesias subterraneas, embellecidas cno pinturas o algun otro tipo de decoración.